No es la primera vez en que dos artistas coinciden en una misma exposición en Zurbarán y tampoco es la primera vez en que estos dos artistas realizan una muestra en esta misma sede de la Avenida Alvear 1658. Se trata de la mendocina Natalia Sánchez Valdemoros y el porteño Claudio Barragán.

Ella utiliza fachadas de edificios para reflejar historias, mientras que él trabaja la madera para construir caballos mitológicos. Su obra podrá disfrutarse de lunes a viernes de 12 a 20 o bien los sábados de 10 a 13, hasta el 9 de junio.

Con más de 35 trabajos en exposición, ambos dialogaron con La Vereda y analizaron la exposición.

Según Natalia Sánchez Valdemoros, “no hay una sola definición” para su arte, ni “un solo significado, ni un solo concepto. Mi obra es urbana, muy abierta y con muchos colores. La técnica que elijo es según lo que quiero lograr en este momento”, expresó la artista que actualmente trabaja el óleo sobre tela.

“Siempre hay desafíos nuevos, por lo tanto no tengo una definición formada de mi arte pero si puedo afirmar que está muy ligado a la arquitectura”, dice Sánchez Valdemoros.

¿Qué es lo que más le fascina de los muros y la arquitectura?

La diversidad que existe en la arquitectura me tiene cautivada. También me gusta imaginar las historias de quienes viven en ellas y observar los detalles de los edificios es algo maravilloso.

¿Con qué técnicas trabaja?

En este momento estoy trabajando con óleo sobre lienzo, he probado muchas técnicas y siempre vuelvo al óleo.

¿Qué le produce estar exhibiendo su trabajo en una galería como Zurbarán?

Para mi carrera es muy importante porque tengo la posibilidad de dejar mi obra en las mejores manos del país. En lo personal me siento muy feliz de ser parte de Zurbarán, el grupo humano de trabajo es excelente y ni hablar de Nacho (Ignacio Gutiérrez Zaldivar, director de la galería), que es lo máximo.

¿Qué parte de su trabajo estaremos viendo durante esta exposición?

La expo es de fachadas urbanas diurnas. Cada obra es un cuento!

A mi parecer, esta vez las fachadas son muy románticas, colores armónicos y situaciones cotidianas como las que uno puede disfrutar cuando pasea en una ciudad.

¿Qué es lo que intenta provocar al espectador con su obra?

Prefiero que el espectador interprete el mensaje a su manera y le de el significado que quiera, así no condiciono a los demás que vean lo que yo veo en mi obra, que cada uno haga su propia historia, detrás de cada ventana y cada puerta surge un mundo nuevo de la mano de la imaginación.

¿Qué es lo que más destaca de la obra de Barragán?

Que es tan simple y complejo a la vez que conmueve. A mí me encanta su obra y el como persona es un diez, un privilegio compartir sala con él.

“Me interesa el caballo mediatizado por la historia”

Por su parte, Claudio Barragán lleva adelante una propuesta donde el caballo aparece como protagonista, con el poderío no solo de su porte, sino también de los detalles en madera que resaltan su eximio trabajo. Sin embargo, no todos los caballos son los protagonistas de su obra.

“Nunca molesté a un caballo. Tampoco soy un anatomista equino. Me interesa el caballo mediatizado por la historia, los mitos y la literatura. Voy atrás del Caballo de Troya y el del Cid Campeador. Caballos en donde se confunden la Fiesta y la Muerte”, resalta el artista.

¿Qué pretende llevarle al espectador de su trabajo?

Mientras trabajo, nada. Después, cuando las esculturas o como se llame lo que hago (hoy se discute el significado y el sentido de todo) dejan el taller y empiezan a vivir su vida lejos de mí, asisto con sorpresa a las interpretaciones y comentarios de los espectadores. A veces me transformo en uno de ellos y comento yo también.

¿Cuál es la técnica que emplea?

En realidad, trabajo al revés. Lo mío no es pensar una imagen, una forma y después buscar en la biblioteca de técnicas de la historia como representarla. Yo invento procesos, la forma es un resultado, un testimonio del proceso. Si aparecen caballos y máscaras es porque salen de un área de no reflexión.

Usted dice que es necesario que el artista pierda el control de su obra. ¿Qué se gana y qué se pierde con ese concepto?

Cuando el trabajo escapa de mi control se aleja de la idea que le dio origen. Si no fuera así posiblemente se convertiría solo en la ilustración de una idea o concepto y según mi punto de vista, nada más lejos del arte que la ilustración. Yo creo que un artista es un tipo que tiene una idea pero que tiene que atravesar una materia. Sino sería un filósofo o un antropólogo o un profesional de otra rama del trabajo e investigación.

¿Qué le apasiona más del mundo de las máscaras?

Así como no soy un artista caballista, tampoco soy un mascarero. Como señalo en 3. En realidad los títulos son un arma de doble filo, a veces cosifican demasiado la pieza y otras abren el sentido. Antes que «Máscara» prefiero nombres más sugerentes «Miedo a perder la Cabeza», «Un Tipo Briyante», «Hombres de Hierro».

¿Existe alguna similitud entre el mundo de las máscaras y el de los caballos?

Si, la búsqueda y la pregunta sobre los procesos y la forma. Y, esto lo intuyo mi interés por los mitos y el pasado precolombino y griego.

¿Qué cree causar en el espectador de esta exposición?

Mi trabajo termina en el taller, el espectador es exterior a mí y siempre me sorprende, cuando intenté hacer algo para un público determinado me equivoqué.

¿Qué es lo que más destaca de la obra de Sánchez Valdemoros?

La sugestión de lo oculto, el misterio de lo que no se muestra.